Play it for me, Sam

2012-02-16T13:49:00.000-08:00

De repente vi-me sufocada por uma onda de trabalho e de falta de tempo, mas ainda consigo, às vezes, respirar quando, de repente, faço descobertas como estas. Fiquei o dia todo com esta música na cabeça e, em imensas tentativas falhadas, tentei recordar-me e imitar esta coreografia gestual comovente e marcante. Nunca Gershwin me pareceu triste, até aparecer Pina Bausch.

2012-02-08T13:03:00.000-08:00

cours petit Antoine Doinel, cours.

a coisa aqui tá preta

2012-02-04T03:57:00.000-08:00

Fotografia de Stanley Kubrick

La Tour du Cinéma

2012-02-03T16:13:00.001-08:00

In 1957, François Truffaut wrote a script for a 25-minute film called Autour de la Tour Eiffel (Around the Eiffel Tower), about persons obsessed with getting to the tower, which they can see easily, but can never reach. In one version, a peasant finally reaches the top and sees “a Parisian Paris down to the fingertips”. The film was never made, but two years later, in the credits for Les quatre cents coups (The 400 Blows), Truffaut’s first feature, the camera scanning the streets of Paris comes to a halt at the foot of the Tower. Truffaut would collect replicas of the Tower in all sizes, which he displayed in his apartment in the 16th arrondisement, from which the Tower itself was visible.

O artigo completo aqui.

The White Shadow blogathon

2012-02-03T15:34:00.000-08:00

Last year, the New Zealand Film Archive and the National Film Preservation Foundation announced that they'd discovered a tinted print of The White Shadow (1924), "an atmospheric melodrama starring Betty Compson, in a dual role as twin sisters — one angelic and the other 'without a soul.' With mysterious disappearances, mistaken identity, steamy cabarets, romance, chance meetings, madness, and even the transmigration of souls, the wild plot crams a lot into six reels." As David Sterritt noted in that announcement, though he was only 24 at the time, "Alfred Hitchcock wrote the film's scenario, designed the sets, edited the footage, and served as assistant director to Graham Cutts, whose professional jealousy toward the gifted upstart made the job all the more challenging."

Today, Farran Nehme, Marilyn Ferdinand and Roderick Heath have announced that their third For the Love Film blogathon, running from May 13 through 18, will be a fund-raising drive to rouse up the $15K needed to get The White Shadow on the NFPF site so that we'll all be able to see it for free for four months.

daqui

Apesar da blogathon ser só entre 13 e 18 de Maio quem quiser pode já doar (nem que seja apenas um bocadinho) neste site. Vá lá, quem é que não quer ver esta preciosidade de Hitchcock?! Eu já estou apaixonada por esta frame de Betty Compson.

Como fazer um cartaz de um festival.

2012-02-03T14:53:00.000-08:00

Festival du Court-Métrage Clermont-Ferrand

2012-02-03T14:39:00.000-08:00

Ce vendredi (14h30 en salle Langlois), venez assister à la conférence de Noël Very, qui décrira la découverte du steadicam, ses origines, l'histoire du premier exemplaire, son utilisation et son évolution. Il témoignera de sa propre expérience de cadreur sur les tournages de Subway, Valmont ou Carmen. Des démonstrations de steadicam seront réalisées en direct sur scène à l'aide d'un modèle des plus récents.

daqui

O que eu não dava para ter assistido a isto!

JLG

2012-02-03T14:32:00.000-08:00

Jean-Luc Godard’s collaboration with a museum comes at a point in his œuvre when his work is not reaching the size of audience enjoyed by his early films, whilst his name has never been so frequently evoked and celebrated. This apparent contradiction can be partly explained by the fact that the combination within a single film of a critical dimension and a capacity for entertainment has become less and less accepted. À bout de souffle (1960), Le Mépris (1963) and Pierrot le fou (1965) achieved a perfect blend of theoretical power and spectacular lyricism.

In the past the filmmaker has devoted considerable attention to reflecting on the conditions of a film’s production by disrupting spectatorial investment through techniques such as narrative rupture, looks to camera, interrupted music, non-linearity of events and so on. He has also frequently represented the cinematic ‘machine’ and deprived the viewer of illusion, while nonetheless retaining a certain lyricism. Similarly, the sudden breaks to which he subjects his borrowed musical extracts serve to defer, if not prevent, the formation of his characters.

Collage(s) de France was a response to something for which the filmmaker had often been reproached: not telling a story. One day he jokingly recalled how he used to be reprimanded as a child (‘Don’t tell stories’), whereas in his work as a filmmaker he is now asked by producers to tell them. In fact he has always sought a balance between fiction and ethical gesture.

- According to JLG

LALANNE: The HADOPI law, for example, or the matter of prosecuting downloads, or the property of images...

GODARD: I'm against HADOPI, of course. There's no intellectual property. I'm against estates, for example. That the children of an artist might enjoy the rights of their parents' body of work, why not, until they come of age. But afterward — I see no evidence that Ravel's children are getting their hands on the rights for the Boléro...

LALANNE: You don't claim any rights over the images that any artists might be lifting from your films?

GODARD: Of course not. Besides, people are doing it, putting them up on the Internet, and for the most part they don't look very good... But I don't have the feeling that they're taking something away from me. I don't have the Internet. Anne-Marie [Miéville, his partner, and a filmmaker —JML] uses it. But in my film, there are images that come from the Internet, like those images of the two cats together.

LALANNE: The second-to-last quotation in the film is: "If the law is unjust, justice proceeds past the law..."

GODARD: It ties back in with the right of the author. Every DVD starts off with a title from the FBI criminalizing copies. I went for Pascal. But you might take something else away from that phrase. You might think about Roman Polanski's arrest, for example.

LALANNE: Is the idea of accomplishing a body of work, one which life granted you the time to complete, a matter that weighs upon you?

GODARD: No. I don't believe in the body of work. There are works, they might be produced in individual installments, but the body of work as a collection, the great oeuvre, I have no interest in it. I prefer to speak in terms of pathways. Along my course, there are highs and there are lows, there are attempts... I've towed the line a lot. You know, the most difficult thing is to tell a friend that what he's done isn't very good. I can't do it. Rohmer was brave enough to tell me at the time of the Cahiers that my critique of Strangers on a Train was bad. Rivette could say it too. And we paid a lot of attention to what Rivette thought. As for François Truffaut, he didn't forgive me for thinking his films were worthless. He also suffered from not ending up finding my films as worthless as I thought his own were.

LALANNE: Do you really think that Truffaut's films are worthless?

GODARD: No, not worthless... Not any more than anything else... Not any more than Chabrol's... But that wasn't the cinema we were dreaming of.

LALANNE: Posterity, leaving a trace behind — does this concern you?

GODARD: No, not at all.

LALANNE: But has it weighed upon you even for an instant?

GODARD: Never.

LALANNE: I have a hard time believing that. You can't make Pierrot le fou without having the urge to create a masterpiece, to be the champion of the world, to take your place in history forever...

GODARD: Maybe you're right. I had to stake that claim in my early works. I came back down to earth pretty quickly.

LALANNE: Do you think about your death?

GODARD: Yes, inevitably. With health problems... You end up being a lot more introspective than you used to be. Life changes. In any case, I've made a break with the social life for a long time now. I'd really like to take tennis back up again, which I had to stop due to knee-problems. When you get old, childhood starts coming back. It's good. And no, I don't get particularly distressed about dying.

LALANNE: You seem pretty detached...

GODARD: Mais au contraire! I'm very attached! [laughs] And further on this topic: Anne-Marie told me the other day that if she ever ends up outliving me, she'd write on my tombstone: "Au contraire..."

- Les Inrocks

Longas horas submergida em tudo o que é JLG (JLG e não Jean-Luc Godard).

A obra actual de Godard e a sua tendência para descontruir a realidade e tudo o que já fez durante a Nouvelle Vague é algo que, de facto, não deve ser levado de ânimo leve. Requere uma análise, um estudo, acima de tudo um pensamento crítico, e se de início, desabituados a estas imagens provocadoras que criticam a contemporaneidade, nos sentimos confusos perante esta "novidade", quando nos damos ao trabalho de ver além do evidente, apercebemo-nos da sua clareza assertiva e pessimista. Mais do que isso, numa altura em que atentados à liberdade surgem sob a capa do respeito dos direitos de autor (que pouco remetem para os autores) é crucial ler e reflectir sobre o que diz Godard, quem um dia afirmou, tomando uma posição tipicamente extremista, "Le droit d'auter? L'auter n'a que des droits".

Para quem está interessado em ver mais das suas reflexões, estão aqui alguns vídeos que fazem parte de um pack intitulado Morceaux de conversations avec Jean-Luc Godard.

2012-01-30T13:59:00.000-08:00

Woody Allen para uma noite calma. É impossível ouvir Diane Keaton a cantar e não sentir um imediato sentimento de tranquilidade.

Agora nada sabia melhor do que um bocadinho de Gershwin e uma dose de nostalgia enternecedora. Oh Woody.

2012-01-29T05:23:00.000-08:00

Witty Bits

2012-01-29T05:22:00.000-08:00

do the madison!

2012-01-29T05:15:00.000-08:00

Para dançar como Arthur, Odile e Franz.

Jazz up you lingerie!

2012-01-28T05:31:00.001-08:00

Supreme Court Says Congress May Re-Copyright Public Domain Works

2012-01-28T04:39:00.000-08:00

They claimed that re-copyrighting public works would breach the speech rights of those who are now using those works without needing a license. There are millions of decades-old works at issue. Some of the well-known ones include H.G. Wells’ Things to Come; Fritz Lang’s Metropolis and the musical compositions of Igor Fyodorovich Stravinsky.

In dissent, Justices Stephen Breyer and Samuel Alito said the legislation goes against the theory of copyright and “does not encourage anyone to produce a single new work.” Copyright, they noted, was part of the Constitution to promote the arts and sciences.

The lead plaintiff in the case, Lawrence Golan, told the high court that it will not longer be able to perform Prokofiev’s Classical Symphony and Peter and the Wolf, or Shostakovich’s Symphony 14, Cello Concerto because of licensing fees.

O artigo completo aqui.

Jarmusch & Waits

2012-01-28T04:32:00.000-08:00

(poster polaco de Night on Earth)

Night on Earth, é, para mim, um filme de Jarmusch e Tom Waits. Já no post anterior falei da importância da musica de Maurice Jaubert nos filmes de Jean Vigo, e agora falo de Waits e Jarmusch.

Em Night on Earth a música surge sempre no momento certo, servindo de contraponto para uma situação burlesca ou amargurada. Se Jaubert ajuda Vigo a estabelecer um diálogo com o público, Waits, nesta viagem, ajuda, nos momentos certos, a estabelecer o estado de espírito que nos vai guiar. A música que surge durante o filme é sempre a mesma, e no meio de histórias cómicas ou tocantes, Waits relembra que It's a sad and beautiful world (já se dizia em Down by Law).

Wim Wenders and a Leica.

2012-01-28T04:12:00.000-08:00

Hommages à Jean Vigo

2012-01-28T04:07:00.000-08:00

Agora o que eu gostava mesmo era encontrar as bandas sonoras que Maurice Jaubert fez para Jean Vigo, tão (mas tão) essenciais tanto em Zero de Conduite como em L'Atalante. Parece que se perderam no tempo, mas à falta disso acho que me vou contentar com isto ou isto.

2012-01-28T04:00:00.000-08:00

Mesmo diante de um tema relativamente pobre, Vigo preserva uma certa pureza, um modo directo de apreender o tema do filme tal como é - sem nenhuma "orquestração" ao modo de Ruttman ou Vertov, para disfarçar a magreza do tema, e sem intelectualismo gratuito.

- John M. Smith

Como em 9 minutos Jean Vigo nos leva para as profundezas de uma piscina, que mais parecem as profundezas do mar, para observar a simplicidade e graciosidade dos movimentos de um nadador no seu meio natural, e no meio natural de Vigo, a água.

A montagem que em À Propos de Nice é usada para mostrar a pobreza e os problemas da pequena cidade de Nice, estabelecendo um diálogo com o público somente através da música e da imagem, em Taris ou La Natation evidencia a delicadeza duma realidade tornada em sonho, onde a água é daquilo que os sonhos são feitos.

O idealismo e a sensibilidade de Vigo guiam-no na concretização do seu mundo de sonhos, onde um diálogo rico e honesto é estabelecido por meio da sua mestria técnica e sua "pureza", tudo "sem intelectualismo gratuito".

Vigo, Truffaut, Vigo, Cocteau.

2012-01-28T03:43:00.000-08:00

Vigo et Truffaut

A infância oprimida e libertária.

Vigo et Cocteau, les deux Jeans

A magia e a transfiguração da realidade pelo sonho.

2012-01-28T03:33:00.000-08:00

Da magia de Buñuel passo para a de Vigo, o poeta e o mágico dos sonhos.

A magnificiência visual faz o milagre e a poesia de Vigo. E no entanto, em meio a esta fotogenia, a esta transfiguração do real ele consegue, não se sabe como, criar uma fotogenia do diálogo, dando às palavras, sem que estas percam o seu sentido, um valor sonoro.

- Henri Langlois

2012-01-28T03:29:00.001-08:00

The logic of Un Chien Andalou is the logic of dreams.

2012-01-23T14:44:00.001-08:00

2012-01-22T03:40:00.000-08:00

Levantar o véu da programação para Guimarães 2012.

arrepios

2012-01-16T09:50:00.000-08:00

2012-01-14T11:15:00.000-08:00

Ler e reler Jarmusch. Ver e rever Jarmusch.

Moonrise Kingdom

2012-01-13T20:15:00.000-08:00

Do trailer do novo filme do Wes Anderson, Moonrise Kingdom, veio Françoise Hardy, música clássica e um desejo incontrolável de fugir para o mundo especial de Anderson.

Não era só Godard

2012-01-13T19:32:00.000-08:00

Originally, I accepted the Bris commercials in order to save the lives of my self and my families. But that was really secondary. The primary reason I wanted to make the commercials was that I was given free rein with money and I could do exactly what I wanted with the product’s message. Anyhow, I have always found it difficult to feel resentment when industry comes rushing toward culture, check in hand.

-Ingmar Bergman

(em relação ao anúncio a Campari)“In just one minute,” writes Tullio Kezich in Federico Fellini: His Life and Work, “Fellini gives us a chapter of the story of the battle between men and women, and makes reference to the neurosis of TV, insinuates that we’re disparaging the miraculous gifts of nature and history, and offers the hope that there might be a screen that will bring the joy back. The little tale is as quick as a train and has a remarkably light touch.”

Incrível como em anúncios a produtos comuns, autores como Bergman e Fellini conseguiram imprimir de uma forma tão distinta e subtil a sua assinatura. Eu por mim, no que toca a Fellini, em Campari vi imediatamente La Citta delle Donne, em Barilla vi La Dolce Vita e em Banca di Roma vi Casanova e, outra vez, La Citta delle Donne. Viva Fellini!

2012-01-13T18:42:00.000-08:00

& o encontro de Wim Wenders com Nagisa Oshima na casa de banho de um aeroporto.

"Assim se faz cinema no reino da Dinamarca", como diz o Ípsilon

2012-01-13T18:38:00.000-08:00

Por que deve um país gastar dinheiro dos contribuintes em subsídios a filmes? Por que é que o cinema não pode "tomar conta" de si próprio? A estas perguntas, diz-nos Henrik Bo Nielsen, director do Det Dansk Filminstitut (Instituto de Cinema Dinamarquês), já os políticos responderam de maneira convicta, e em perspectiva de longo prazo, no início dos anos 70.

Na Dinamarca, estas foram questões importantes, hoje já não são discutidas. E as respostas tiveram em conta o nível de ambição que se tinha em relação aos cidadãos e, em especial, em relação às crianças. Ambição que tem vindo a aumentar. Reflexo disso foi a lei que na década de 80 fixou que um quarto do montante total de dinheiro atribuído anualmente ao cinema - cerca de 70 milhões de euros - deveria ser usado em actividades e produções que tivessem por alvo as crianças e jovens.

Mas toda esta história de sucesso começou quando a atenção foi centrada na educação dos futuros profissionais, ainda antes da actual política de subsídios. A Danish Film School (Escola de Cinema Dinarquesa), em que o Estado tem investido muito dinheiro, floresceu nos anos 70. Em anos de excepção chega a lançar para o mercado seis realizadores, sendo pelo menos um ou dois originários de outro país escandinavo. Isso cria competição no meio, o que atrai jovens criativos. Também o facto de ser dada quase toda a liberdade para aplicar o dinheiro onde se quer, incluindo em filmes a que se sabe que o mercado não vai responder bem, ajuda. "A maior parte do dinheiro não tem que ser gasta naquilo que a maioria das pessoas vê", diz Bo Nielsen. "Se fizéssemos isso, o apoio iria quase todo para filmes de entretenimento familiar e de vampiros. Como em todos os apoios às artes, devemos focar-nos naquilo que o mercado não trata muito bem. Ter políticos que aceitem que empreguemos cerca de 1,5 milhões de euros num filme que muito pouca gente verá, desde que seja artisticamente interessante, continuará a fazer progredir o cinema."

De certa maneira, pode dizer-se que a chave do sucesso é dar atenção aos mais novos. Do orçamento total anual para o sector, um quarto é aplicado em filmes para crianças e jovens. Isso tem enorme impacto. Significa que, depois de um certo tempo, se passa a ter mais capacidade para financiar produções de outros géneros porque o número de espectadores aumenta. Em 2010, por exemplo, um quarto das várias centenas de milhar de espectadores da Cinemateca de Copenhaga tinha menos de 7 anos de idade.

Existe uma estratégia combinada, ou seja, há uma estratégia na própria produção que se estende depois ao marketing e à distribuição dos filmes, exibidos regularmente no circuito comercial em sessões para as escolas. Todos os anos são elaborados programas para assegurar que todas as crianças têm acesso à experiência, tanto as que estão em idade escolar como pré-escolar. Há guias de estudo para os professores (também acessíveis aos pais), para que os filmes possam ser estudados. Uma enorme colecção (centenas) de filmes curtos e documentários podem ser descarregados livremente de um sítio na Internet gerido pelo Instituto.

"O programa educativo para os jovens está dividido em várias partes: visando sempre assegurar que as crianças possam visualizar os filmes, acompanhamo-las de modo a que os consigam trabalhar, a que sejam mais críticas, e também a que possam criar os seus próprios filmes", diz Charlotte Giese, responsável pela área de subsídio à produção de curtas e documentários para a infância e juventude. "Tentamos apoiar os professores, dando-lhes justificação educativa para levar os estudantes ao cinema, porque os filmes podem ser usados de várias maneiras. Actualmente, estamos a debruçar-nos mais sobre as crianças em idade pré-escolar, proporcionando-lhes as ferramentas para trabalharem os filmes de maneiras novas e até mesmo de os criarem elas próprias. Para os mais velhos, num estúdio interactivo que temos no Instituto, é possível dar a oportunidade única de dirigirem, de representarem, e de fazerem os seus pequenos filmes."

Para o Bo Nielsen, o apoio ao cinema infantil e juvenil é também uma questão de justiça social. "É evidente que as crianças das classes média e superior vão ao cinema com frequência. Recebem uma boa educação. Mas, as crianças das classes mais baixas terão possibilidade de ir ao cinema se o Estado não intervier? A resposta é não, não têm. Ir ao cinema implica também aprender a usar essa forma de arte, e para isso é preciso formação. No caso de um exame do 11.º ou do 12.º ano, podemos deparar-nos com um poema, por que é que não nos podemos deparar com um documentário ou com um filme?"

Numa época de crise económica global de que os dinamarqueses também se queixam, Bo Nielsen é claro: "Tivemos de reduzir o orçamento para 2012, mas optámos por cortar nos gastos do Instituto - viagens, assessorias, pareceres, etc. - não cortámos nos subsídios."

O artigo completo aqui.

(Cinéfilos leiam, mas leiam mesmo, nem que seja só para sonhar com esta terra prometida.)

A última aquisição da Cinémathèque Française

2012-01-13T18:23:00.000-08:00

La Cinémathèque française a travaillé en étroite collaboration avec l’équipe de Martin Scorsese pour le film Hugo Cabret, réalisé en 3D aux studios de Shepperton. En effet, la Cinémathèque française possède l’une des collections les plus riches au monde sur l’œuvre de Georges Méliès : films, dessins, appareils, photographies, manuscrits, costumes… Le film de Scorsese puise largement dans les fonds mis à disposition par la Cinémathèque. On voit dans le film des dessins issus des collections, de même que des copies d’appareils cinématographiques anciens (dont la première caméra de Méliès).

En remerciement pour l’aide scientifique apportée, Martin Scorsese a donné à la Cinémathèque française le magnifique automate du film, fabriqué par le « property master » (chef accessoiriste) David Balfour. Ce superbe objet est actuellement exposé dans le Musée de la Cinémathèque française.

Huit exemplaires différents de l’automate ont été fabriqués pour le film. Il fallait en effet que le jeune acteur puisse porter dans ses bras, sans trop de peine, un exemplaire allégé de ses mécanismes ; un autre exemplaire devait être jeté sur la voie ferrée de la gare Montparnasse, etc. Le modèle donné à la Cinémathèque française est celui qu’Hugo Cabret et son père contemplent ensemble au tout début du film : il n’a pas encore été restauré par l’horloger. Cet exemplaire, habillé, est pourvu de son mécanisme. La tête à elle seule est un vrai chef-d’œuvre de sculpture.

La réalisation de ces différents automates est signée David Balfour, qui a brillamment donné sa propre interprétation des dessins de Brian Selznick. C’est également David Balfour qui a reconstitué, pour Scorsese, les copies d’appareils cinématographiques de Méliès conservés à la Cinémathèque.

retirado daqui

(Quando Méliès é posto ao barulho chega para a minha curiosidade ficar aguçada. Venha daí Hugo.)

magia!

2012-01-13T18:16:00.000-08:00

IFFR 2012

2012-01-13T18:10:00.002-08:00

International Film Festival Rotterdam

2012-01-13T18:10:00.000-08:00

A vontade de Jack Kerouac de revolucionar o cinema americano

2012-01-08T04:32:00.000-08:00

What I wanta do is re-do the theater and the cinema in America, give it a spontaneous dash, remove pre-conceptions of “situation” and let people rave on as they do in real life. That’s what the play is: no plot in particular, no “meaning” in particular, just the way people are. Everything I write I do in the spirit where I imagine myself an Angel returned to the earth seeing it with sad eyes as it is. I know you approve of these ideas, & incidentally the new Frank Sinatra show is based on “spontaneous” too, which is the only way to come on anyway, whether in business or life. The French movies of the 30′s are still far superior to ours because the French really let their actors come on and the writers didn’t quibble with some preconceived notion of how intelligent the movie audience is, they talked soul from soul and everybody understood at once. I want to make great French Movies in America, finally, when I’m rich… American theater & Cinema at present is an outmoded dinosaur that ain’t mutated along with the best in American Literature.

(Marlon Brando acabou por recusar o projecto)

2012-01-08T03:54:00.001-08:00

Rube Goldberg lives on

2012-01-08T03:01:00.000-08:00

Jean Cocteau e o travelling em Le Sang d'un Poète

2012-01-07T17:34:00.000-08:00

Em 1932, Le Sang d'un Poète ficou célebre, além de muitos outros aspectos, por um famoso travelling de Cocteau da personagem do poeta, de tronco nu, submergido por uma penumbra obscura. Contudo, vendo a 7ª Arte como uma forma interessante de tornar o sonho, o surreal, o subjectivo em objectivo, Jean Cocteau pouco sabia de como fazer cinema, e desconhecia o facto de que para se fazer um travelling eram necessários carris. Quando (penso eu) Jean Renoir lhe perguntou como é que tinha feito aquele travelling tão diferente e fantástico, Cocteau limitou-se a explicar que pôs o actor numa plataforma e o puxou em direcção à câmara, ficando esta imóvel. Isto só mostra como Jean Cocteau era, no seu âmago, um poeta e como uma encantadora e refrescante falta de experiência e conhecimentos leva à criação de algo novo e inventivo, numa tentativa de materializar o sonho.

Isto é motivo suficiente para pôr um sorriso nos lábios e dar alguma esperança a auto-didactas que querem fazer cinema, música, literatura, o que quer que seja, simplesmente por um amor incondicional e indispensável ao que os faz mover. Art for art's sake.

Jean Cocteau, Un Glorieux Méconnu

2012-01-07T17:11:00.000-08:00

Autoportrait d'un Ínconnu: Jean Cocteau
Cocteau, o artista que me continua a intrigar cada vez mais. E o que eu gostava mesmo agora era isto.

And now for something completely different

2012-01-06T16:54:00.000-08:00

In 1971, Jean-Luc Godard and the Dziga Vertov Group were given a week's budget to make a commercial for Schick after-shave. In half a day they made this.

And what a Bitter Victory it was

2012-01-06T16:46:00.000-08:00

Que obra prima. E assim começo (finalmente) a ver onde está o verdadeiro cinema em Nicholas Ray.

Uma história de cobardia e coragem, de tudo o que é (des)humano, sob o cenário vazio do deserto, onde a câmara movimenta-se tão fluidamente que parecem não existir barreiras e todo o sofrimento e angústia das personagens começa a comer por dentro o público.

Por mais do que breves segundos, nesta cena a minha respiração abandonou-me.

Bigger Than Life

2012-01-06T16:34:00.000-08:00

Good mirror:

Bad mirror:

Scary mirror:

Good praying:

Bad praying:

tirado daqui

Os jogos de luz de Ray e as sombras, aquelas sombras assustadoras e monstruosas:

Ah e claro, James Mason. Meu deus, James Mason!

boum!

2012-01-06T16:22:00.000-08:00

Jacquot e o amor incontrolável pelo Cinema

2012-01-06T16:16:00.000-08:00

A outra cortina de Jacques Demy

2012-01-06T16:14:00.000-08:00

Uma tarde passada a ver a relação carinhosa de Agnès Varda com Jacques Demy em Jacquot de Nantes e L'Univers de Jacques Demy.

Jacquot de Nantes é uma prenda de Varda para Demy, que morreu 10 dias após a conclusão do filme, e mostra a enternecedora infância do cineasta que desde (mais ao menos) os 9 anos já fazia os seus próprios filmes com desenhos em película, recorrendo, basicamente, ao stop motion. É no filme de Agnès Varda que, para além de vermos estas pérolas que são os primeiros filmes de um jovem Jacques Demy (que são verdadeiramente impressionantes), vemos a paciência que este sempre teve na sua dedicação de corpo e alma ao Cinema. Demy era, efectivamente, um homem paciente e interessado que, depois de vários anos dedicados inteiramente ao Cinema, após grandes lutas com o seu pai que em jovem o obrigou a ser mecânico, no final da sua vida dedicou-se à música, à pintura, entre outras artes.

A musicalidade dos seus filmes estão presentes de uma forma muito própria, pois na verdade este é um filme de Varda sobre Demy, e a assinatura de Agnès está bem clara. É ela que torna Jacquot de Nantes num objecto filmíco precioso, único e muito característico.

Enfim, Agnès Varda mostra, de uma maneira gloriosa, a passagem de Jacquot, a criança ingénua e feliz no seio da sua família, para Jacques, o jovem (e mais tarde adulto) abalado pelos acasos da vida, pela guerra e pelos entraves criados pelo seu pai no seu desejo de seguir cinema como carreira.

Merci Agnès et Jacques

When life lets you down, watch a Woody Allen film.

2012-01-02T10:26:00.001-08:00

Good night fellas.

2011-12-31T10:27:00.000-08:00

La Grande Illusion

2011-12-30T17:33:00.000-08:00

Uma maneira perfeita de acabar 2011 e encarar 2012.

Uma obra-prima, uma ode à humanidade e à simples felicidade que, mesmo assim, nos deixa desiludidos quando somos confrontados com a ilusão de que nos rodeamos e a triste conclusão de que pouco ou nada aprendemos.

Out there, children play soldier...

In here, soldiers play like children.

- Capitão Boldieu, ai o Boldieu.

2011-12-30T17:11:00.000-08:00

Em Carnage, Polanski "brinca" com a angústia do público, da mesma maneira que a opinião pública tanto o tem espicaçado. Toda esta manipulação das ansiedades do público começa pelo facto de nós sabermos que o filme se passa todo ali, que toda a acção se concentra naquela sala, e mesmo que julguemos que sim, a verdade é que não estamos prontos para aquele ambiente cansativo e claustrofóbico (no melhor sentido possível) que nos vai acompanhar e torturar durante uma hora e vinte.

Quando as personagens saem daquele ambiente, no início sentimo-nos desconfortaveis, na antecipação de ver como voltam para aquele espaço onde sabemos que todas as explosões emocionais se vão dar. Mas quando nos aproximamos do fim, tal como as personangens, precisamos de respirar um bocadinho, de sair dalí.

A intensidade do filme de Polanski é tão grande, não pelas imagens, não pelo drama, mas pelos diálogos rápidos, pelo caos, pelas reflexões feitas umas em cima das outras, que no fim saí de lá com uma grande dor de cabeça. Mas posso dizer, com todas as certezas, que esta foi a única dor de cabeça que alguma vez gostei de ter. Este é um dos grandes feitos de Polanski em Carnage: nós encarnamos, inconscientemente, as personagens e todos os seus dramas e neuroses.

Happy New Year's Eve, my friends.

2011-12-30T07:03:00.000-08:00

“Only creeps and crazy people go out New Year’s Eve!”

Radio Days

Let's make'em think

2011-12-25T08:28:00.000-08:00

definitely to watch:

2011-12-24T11:00:00.001-08:00

2011-12-24T10:57:00.000-08:00

Quem anda por detrás do cavalinho de La Science des Rêves é Lauri Faggioni.

Mais peças bonitas do filme de Gondry aqui.

2011-12-22T18:56:00.000-08:00

We do not tolerate people that talk or text in the theater. In fact, before every film, we have several warnings on screen to prevent such happenings. Occasionally, someone doesn't follow the rules, and we do, in fact, kick their asses out of our theater. This video is an actual voicemail from a woman that was kicked out of one of our Austin theaters.

(talvez seja um tratamento um bocadinho extremo mas admito que às vezes me apetece fazer isto a alguns espectadores incómodos)

Istanbul Film Festival

2011-12-22T18:26:00.000-08:00

Sei que já tenho um Fellini na parede mas não me importava de ter outro como aquele.

Mais disto por aqui.

Outsiders

2011-12-22T16:33:00.000-08:00

Stranger than Paradise, Jarmusch

Bande À Part, Godard

Jogo de sombras

2011-12-22T16:27:00.000-08:00

2011-12-22T16:25:00.000-08:00

It's Screaming Jay Hawkins, and he's a wild man, so bug off.

De Fritz Lang à Tim Burton

2011-12-21T14:22:00.000-08:00

aqui

Premiers Plans

2011-12-17T16:53:00.000-08:00

Mais um ano, mais uma excelente programação no Angers Film Festival.

Oh Pai Natal, leva-me para lá!

Manoel

2011-12-11T15:23:00.000-08:00

E lá vão 103.

2011-12-11T13:51:00.000-08:00

Laina Briedis

Pavel Flegontov

5 cinematic paper dolls

2011-12-11T09:31:00.000-08:00

The Margot (The Royal Tenenbaums)

The Dude (The Big Lebowski)

The Vincent Gallo (Buffalo 66)

The Tom Waits

The Kate Winslet (Eternal Sunshine of the Spotless Mind)

by Claudia Verosio

Está friozinho, é melhor vestirmo-los.

Legen... wait for it... dairy!

2011-12-11T04:54:00.000-08:00

By Oliver Barrett

Touch of Evil

2011-12-10T16:26:00.000-08:00

No início estava pouco convencida com o Brad Pitt como Eraserhead mas depois rendi-me (aqui).

Touch of Evil da New York Times:

A video gallery of cinematic villainy, inspired by nefarious icons and featuring the best performers from the year in film.

Chaplin comes back to live!

2011-12-10T14:02:00.000-08:00

É verdade o que dizem, hoje em dia faz-se de tudo.

E ainda bem, porque se não, não tinhamos fantoches do Chaplin, do Dalí ou do Freud! E há muitos mais. Eu cá contentava-me com o Louis Armstrong e o Oscar Wilde.

Todas estas maravilhas vêm daqui: The Unemployed Philosophers Guild.

The Power of Film by Howard Suber [Action]

2011-12-10T13:36:00.000-08:00

[Um livro que me está a parecer muito interessante.

Para quem estiver interessado ele está online no Google books.]

The Power of Film by Howard Suber [Acting]

2011-12-10T13:34:00.000-08:00

The Power of Film by Howard Suber [Accidents]

2011-12-10T13:30:00.001-08:00

The Power of Film by Howard Suber [Introduction]

2011-12-10T13:29:00.000-08:00

Terral Manifesto!!

2011-12-10T12:24:00.000-08:00

"You may not be a Picasso or Mozart but you don’t have to be. Just create to create. Create to remind yourself you’re still alive. Make stuff to inspire others to make something too. Create to learn a bit more about yourself."

Create stuff... today!

Au coeur des images de Georges Méliès

2011-12-10T07:07:00.000-08:00

(mesmo que não percebam nada por estar em francês, vale a pena ver nem que seja só pelas imagens lindas, fantasmagóricas, astrais e coloridas dos filmes de Méliès)

Fellini & Tim Burton

2011-12-10T06:37:00.000-08:00

8 1/2

venha daí o espírito natalício

2011-12-08T04:38:00.000-08:00

quem diria

2011-12-08T04:14:00.000-08:00

In Bande à part, Sami Frey is called Franz, as in Franz Kafka. The name was chosen by Godard due to Freys close resemblance to the influential writer.

daqui

a câmara, a arma.

2011-12-08T04:08:00.000-08:00

Faire-Part: Musée Henri Langlois, Jean Rouch

2011-12-07T16:18:00.000-08:00

A "carta filmada" ao ministro da altura, motivada pela estupefacção perante uma decisão tomada como errada, toma a forma de uma declaração de amor, àquele lugar e ao que ele representa, indissociável da evocação do seu criador.

Demorando-se nas salas, em alguns objectos, expondo algumas das ideias mestras de Langlois na construção do seu museu do cinema, mais distante da disciplina de museologia (talvez por isso Jack Lang não conseguia ver nele um museu, mas apenas um "gabinete de curiosidades", como faz saber Rouch) do que de um conhecimento e amor profundamente vividos com as peças, as instalações e aquilo que naquele lugar preciso elas invocavam, Rouch transmite o fulcro da experiência daquele museu, que se pode dizer concebido a partir de um trabalho de montagem (cinematográfica).

Como disse Rouch em 1997, o seu filme não mudou nada. O museu acabou. A última imagem é a da saída, onde a câmara se detém para fixar a imagem da Torre Eiffel através do vidro da porta da cinemateca, "a saída normal do museu do cinema". (Ou sim, mudou alguma coisa, porque o fantasma do museu do cinema de Henri Langlois volta a animar-se sempre que este filme é projectado).

Maria João Madeira

"Alguns dias mais tarde um incêndio devastava o museu dos Monumentos franceses, situado no andar de cima e, tentando apagar o fogo, os bombeiros inundaram e destruíram totalmente o Museu do Cinema. O nosso filme é o único testemunho dele."

Jean Rouch

(o que eu não dava por ter conhecido este museu...)

Don't Expect Too Much, Susan Ray

2011-12-07T15:57:00.000-08:00

(Nick Ray, porque como dizia um amigo meu,

"ele é muito badass para ser Nicholas Ray")

Don't Expect Too Much, o documentário da mulher de Nicholas Ray, como objecto fílmico não é nada de especial: aquela irritante voz off robótica, a mudança de cenários a quando dos depoimentos, a falta de uma linha continua de pensamento e a construção e montagem um pouco amadora deixam muito a desejar. Porém, como documentário que dá a conhecer um pouco da essência, da forma de ver a vida e de ver o Cinema de Nick Ray, esta é uma excelente maneira de iniciamento na sua filmografia.

Nicholas Ray era um visionário, em nome da experiência e da quebra de regras, em nome do Cinema, fez a desconstrução do som e da imagem através da combinação de diversas formas de vídeos no seu filme inacabado e malogrado We Can't Go Home Again. Indo contra as regras típicas de contar uma história, tanto a nível narrativo como visual, tudo porque não queria "ver um rectângulo no ecrã", Nick Ray recorreu à projecção de imagens multiplas em simultâneo. Toda esta veia experimental de Ray mais evidente no final da sua vida e da sua carreira não deixa de ser um bocadinho angustiante para o espectador que vê as esperanças do realizador em relação a esta forma nova e excitante de fazer Cinema a irem por água a baixo. Muitas destas suas ideias foram esquecidas e o que supostamente ia revolucionar o Cinema acabou por chatear os críticos e deixar os espectadores confusos.

Mas Don't Expect Too Much mostra mais além disso. Mostra, como professor e cineasta, a crença de Nick Ray de que todos que faziam parte de um filme deviam trabalhar como um colectivo, fazendo de tudo um pouco, dominando toda a arte de fazer Cinema, não apenas um aspecto redutível dela. (Não consigo deixar de pensar como esta ideia de Nicholas Ray devia ser mais aplicada hoje em dia nas escolas de Cinema).

Por outro lado, como realizador, Ray é um cineasta que valoriza os actores, que os põe no centro de toda a composição cinematográfica. Eles e as suas emoções cruas e nuas são o centro de tudo, e a câmara é somente um meio de valorizar os actores, de os mostrar, nada mais. A câmara é um objecto à mercê dos actores e todas as outras experiências técnicas que são feitas com ela, de planos, de ângulos, são "pseudo-intelectualidades". Nicholas Ray diz-nos isso. Apesar de não concordar (basta olhar para os filmes de Antonioni e como os seus movimentos de câmara captam o pulsar dos espaços, das personagens e das suas angústias), é impossível ficar indiferente à forma como Ray vê o Cinema.

Por fim, o filme de Susan Ray mostra a descida em espiral de Nicholas Ray, a sua personalidade auto-destrutiva e desiludida com a vida. Como Godard que com 81 anos continua com ideias e prossegue na desconstrução do cinema (daí que tantos críticos digam que ele filma como um jovem), Nicholas Ray tinha ideias, continuava a ter algo a dizer, porém já ninguém o queria ouvir e o que (os críticos) nutriam por ele era admiração pelo que tinha sido e (os seus alunos) piedade daquele professor inovador e genial que se afogava intempestivamente nas suas próprias mágoas.

Ladies and gentlemen, film is a way of life. I can't teach you how to make films.
- Nicholas Ray

A loucura contagiosa de Almodóvar

2011-12-04T04:10:00.000-08:00

Se refizermos todos os momentos da história de La Piel que Habito, voltando atrás no tempo, tudo regressa a uma relação, a relação doentia entre dois irmãos, que herdaram a loucura da sua mãe. Apesar de passar um pouco despercebida, acho que a personagem de Marilia existe no filme de Almodóvar de uma forma muito discreta mas muito essencial. Nada foi deixado ao acaso neste filme, surgindo mesmo diversos pormenores que aos olhares mais atentos denunciam o desenrolar da trama como o facto de Vera querer ir para o jardim com Zeca ou o vestido que usa no fim do filme. A loucura parece como que quase um gene feminino nos filmes de Almodóvar e neste essa ideia é levada a um extremo, é uma loucura hereditária e contagiosa com consequências mórbidas.

Todas as personagens parecem cada vez mais embrenhadas na loucura desta mulher, que acaba por ser mais representada pelo seu filho, Robert, o cirurgião cujos "genes doentios" e as suas inevitáveis consequências o levam a criar uma personalidade quase como Dr. Jekyll (o célebre cirurgião) e Mr. Hyde (o homem que mantém refém uma mulher para a usar como cobaia das suas experiências retorcidas). Neste filme, Robert é a figura central, a sua vida passada é-nos contada e vemos todas as consequências trágicas desses acontecimentos na sua vida presente, mas, acredito que, apesar de muito discreta e subtilmente, Marilia é o cerne de tudo. Na verdade, a loucura quase genética das mulheres é o cerne de tudo, enquanto a história é o desenrolar sinistro e complexo dessa ideia.

O filme tem bastante mais a dizer do que isso mas esta foi a ideia que mais me chamou a atenção e acho que, de certa maneira, sintetiza o âmago do filme.

Marilia: Their fathers were very different but they were both born insane. It's my fault.

(não consegui encontrar esta frase no original, em espanhol)

81

2011-12-03T15:08:00.000-08:00

3 décembre 1930

long live godard!

It's my party and I'll cry if I want to

2011-12-01T13:17:00.000-08:00

I don't want to achieve immortality through my work... I want to achieve it through not dying.

1 Dezembro 1935

Parabéns, cher Woody.

2011-11-29T12:56:00.000-08:00

We are a mobile cinema. We take our shows to unusual places to create open cinema events, in which people are invited to reconsider film exhibition. We think carefully about the films we show and where we show them… thought provoking documentaries, show-cases for upcoming film makers or old classics, outdoors onto a wall, under a bridge, at a festival, or in a bookshop – why not?

Threading up some old 16mm reels on a borrowed projector for the first time we realised that the breath-held-in wonder of the dusty,noisy flicker of physical film had the potential to intrigue and delight.

the Suitcase Cinema

Habemus papam

2011-11-27T14:38:00.001-08:00

Habemus Moretti

cinema doodles

2011-11-27T13:42:00.000-08:00

L'amour en fuite

2011-11-27T13:37:00.000-08:00

Antoine Doinel, Woody Allen e a casa do Monsieur Hulot.

Enfin, c'est ça Vincent Delerm.

C'est ma vraie vie
Mon histoire vraie
C'est mon job jusqu'à minuit
L'humour juif new yorkais

2011-11-26T05:37:00.000-08:00

After reaching an impasse with Universal regarding the length and cut of his latest film BRAZIL, Gilliam took out the following full page ad in Variety magazine…

Le top 5 de Tom Waits au cinéma

2011-11-26T05:23:00.000-08:00

Awesome Gondry is awesome.

2011-11-26T05:03:00.000-08:00

E sobre o futuro projecto de Michel Gondry, The We and I:
“I was kind of a loner when I was at school, I was hanging with the girls mostly, not the boys. I couldn’t understand why the boys were so stupid when they were in groups and why they would allow themselves to be so mean to each other. This movie is talking about that.”
(Hmm agora quero encontrar o programa do Jimmy Kimmel realizado pelo Tarantino.)

Woody Allen: A Documentary

2011-11-20T14:01:00.000-08:00

Allen’s persistence in using the one and only typewriter of his life, and in practicing cut-and-staple editing are certainly curious, quaint, idiosyncratic, even endearing; but they’re also proof on the wing of two of Allen’s lifelong qualities—untimeliness and hermeticism—as well as of the enduring struggle in his films between writing and experience.

(On Manhattan) Nothing new except the crabs, nothing young except Tracy (played by Mariel Hemingway), the seventeen-year-old high-school girl whom Isaac had been dating and had left. What looked like a celebration of the life of the city was, rather, an aestheticizing glorification of the life of the mind—of Allen’s mind.

His aura was his protective bubble, and it remained intact until 1992, when word broke regarding his romance with his longtime partner Mia Farrow’s adoptive daughter, Soon-Yi Previn (who is now his wife). The apocalyptically furious “Husbands and Wives” puts the turmoil of the time onscreen. When Allen lost his bubble, he lost his city, and, with it, he lost his artistic way—dramatizing it in a remarkable movie that Weide doesn’t mention, “Hollywood Ending,” in which Allen plays a director who, on the day he is slated to start shooting his big comeback picture, becomes suddenly blind and tries to get through the shoot nonetheless. (Along with all of “Zelig” and the opening two-train sequence of “Stardust Memories,” it’s one of Allen’s great metaphors.)

Weide’s film includes a clip of Allen, from 1967, discussing his occupational hazard: “I can’t not write jokes. I write jokes like normal conversation,” but his later films trade the scintillating verbal intelligence and philosophical humor of his classic films of the seventies and eighties—as well as his own dominating presence—for a quickly traced realization of the ideas that have been his lifelong obsession. There’s a remarkable pair of clips in which Allen’s mother explains that he was a cheerful boy until the age of five, when he seemed to become bitter—and Allen explains that, around the age of five, he discovered that he and everyone he loved were going to die. The jokes about mortality that run through his films become serious as he takes his aging seriously. An apparent lark such as “Scoop” is, among other things, a vision of his own death; and the confrontation with final things has deepened and darkened the best of his later films.

Meanwhile, the box-office success of “Midnight in Paris,” though incidental to its merit, reflects Allen’s belatedly acquired status as a survivor, as a prophet of a now-distant past. The onrush of days flattens the perspective of history (...) and the historical regression that the movie comically dramatizes fuses with the virtual offscreen image of Allen himself as a living herald of those days and of the moral authority that they convey.

The New Yorker

Best Villains

2011-11-20T12:59:00.000-08:00

mais aqui

this goddamn computer arrow!

2011-11-20T12:50:00.000-08:00

2011-11-20T12:21:00.000-08:00

música para um final de tarde de domingo.

2011-11-20T05:31:00.000-08:00

A genialidade de Gene Kelly é definitivamente confirmada em It's Always A Fair Weather, e quem o negar não consegue compreender a beleza de uma dança em patins impossível de pôr em palavras ou mesmo das coreografias incrivelmente originais (com tampas de caixotes do lixo ou em split scren) apesar de este ser um dos últimos musicais de Old Hollywood.

Recorrendo a soluções criativas para contar a história, It's Always A Fair Weather é corajoso, engenhoso e muito súbtil na sua crítica social ao pós-guerra, à ilusão dos ex-soldados, à febre do consumismo e à publicidade e aos programas de televisão genéricos e fúteis que o público devora. Surge mesmo uma cena de luta entre os ex-soldados e uns mafiosos, onde mais parece tratar-se de um campo de batalha. Esteticamente apelativo, com as cores electrificantes de CinemaScope, este é um filme fora do comum quando visto nas entrelinhas.

2011-11-20T05:02:00.000-08:00

Grémillon rejected what he referred to as “mechanical naturalism” in favor of “the discovery of that subtlety which the human eye does not perceive directly but which must be shown by establishing the harmonies, the unknown relations, between objects and beings; it is a vivifying, inexhaustible source of images that strike our imaginations and enchant our hearts.”

Isto chega para me deixar a curiosidade extremamente aguçada em relação a Jean Grémillon. Como diz um monsieur ou uma madame nos comentários do youtube: "Magnifique séquence que ce bal et le point de vue en plongée sur la piste de danse de l'accodéoniste avec son visage crispé..."

Jeremy Irons meets Network

2011-11-20T04:58:00.000-08:00

T'as de beaux excaliers, tu sais...

2011-11-20T04:31:00.000-08:00

Court-Métrage réalisé par Agnès Varda en 1986 à l'occasion de l'anniversaire des 50 ans de la Cinémathèque Française.

Van Tino by Gigart

2011-11-20T04:15:00.000-08:00

Só porque esta é uma das minhas cenas preferidas dos filmes de Tarantino.

Want!

2011-11-20T04:13:00.000-08:00

E mais ilustrações de fazer babar. Desta vez é tudo da Monster Gallery.

Wes Anderson love ♥

2011-11-20T04:06:00.000-08:00

Quando o Wes Anderson faz vídeos como este e cria mundos tão peculiares nos seus filmes não admira que até tenha uma exposição dedicada só a ilustrações dos seus filmes. Se quiserem ver mais ilustrações, fantoches e mascaras vão aqui. Isto só dá vontade de comprar tudo e decorar as paredes da casa com tudo o que seja Wes Anderson.

3. You're about to die

2011-11-05T17:23:00.000-07:00

daqui

30 kilos de fotografia

2011-11-05T16:54:00.000-07:00